良いビートなのに平坦に聴こえる。その理由
メロディはキャッチーだし、ドラムもしっかり鳴っている。でもバウンスすると何かが足りない。問題はアイデアじゃなく、まだ身についていないスキルにあります。
ある特定のフラストレーションについて話しましょう。何から始めればいいか分からない初心者の悩みではなく、良い音楽を作れている自覚はあるのに、最終的なサウンドがどうしても追いつかないという悩みです。
あなたはビートを作っています。しかも良いビートです。メロディはキャッチーで、ドラムにはグルーヴがあり、サウンドセレクションもしっかり考えられています。聴いた人は自然と頭を振る。音楽的なアイデアは間違いなく機能しています。
でも、最終的な仕上がりが...平坦なんです。生気がない。プロのトラックと比べると、まるで壁越しに再生しているかのようです。何かが足りないのは分かるけど、それが何なのか特定できない。アイデアは良い。サウンドも悪くない。なのになぜデモっぽく聴こえて、完成したトラックに聴こえないのか？
おそらく色々試してきたと思います。もっとパンチのあるサンプル。レイヤーを増やす。違うプラグイン。YouTubeのチュートリアルで誰かが「このプラグインチェーンを使えばOK」と言っていて、その人の画面上では素晴らしく聴こえるのに、自分のビートには何の効果もない。
ここで、誰もストレートに言ってくれないことを伝えます。問題はあなたの音楽ではありません。問題はあなたの耳です。
「センスがない」という意味ではありません。「何が問題なのかを聴き取れていないから、直せない」という意味です。そしてこれは、完全に解決可能な問題です。
「平坦」とは具体的に何を意味するのか
ビートが平坦に聴こえるとき、通常は以下の要素が組み合わさっています。
奥行きがない
すべてのサウンドが同じ距離にあるように聴こえます。プロのミックスでは、ある要素は近くに感じられ、別の要素は奥に引っ込んでいます。前後の空間感覚があり、まるでミックスの中に入り込めるような感覚です。平坦なミックスは二次元的で、すべてのサウンドが同じ距離に積み重なっています。
ダイナミクスのコントラストがない
すべてが常に同じ強度で鳴っています。押し引きがなく、前のパートが静かだったから次のパートがより強く響く、というような瞬間がありません。抑揚のない話し方と同じです。言葉自体は面白いかもしれませんが、伝え方が退屈だと眠くなります。
周波数マスキング
複数のサウンドが同じ周波数帯域で競合し、どれも勝てない状態です。各要素がクリアに聴こえるのではなく、すべてが一つのぼやけた塊に溶け込んでしまう。粘土の色を全部混ぜたら茶色になるのと同じ原理です。
ステレオの広がりがない
すべてがステレオフィールドの中央に集まっています。プロのビートは左右のスペクトラム全体を使っています。ハイハットを少し右に。シンセパッドをワイドに広げる。カウンターメロディを左に配置する。これにより分離感と空間感が生まれ、すべてがより大きく、生き生きと感じられるようになります。
トランジェントが弱い
ドラムやパーカッションのアタックが鋭くなく、柔らかくなっています。プロのビートではドラムがスピーカーから飛び出してきます。あなたのドラムはカーテン越しに聴こえるような感じかもしれません。これは過度なプロセッシングや、ダイナミクスがサウンドのパンチにどう影響するかを理解していないことが原因であることが多いです。
プラグインが解決策にならない理由
ここで多くのプロデューサーがコストのかかるループにはまります。
「ビートが平坦だ。もっと良いEQが必要なんだろう。」買ってみる。変わらない。「エキサイターが必要かも。」ダウンロードする。少しブライトにはなるけど、根本的な問題は残ったまま。「サチュレーション？」「ステレオワイドナー？」「高価なマスタリングチェーン？」
結局、200個のプラグインを持っていて、同じ平坦なビートにプラグインが乗っかっているだけという状態になります。
なぜうまくいかないのか？プラグインはツールだからです。どんな問題を解決しようとしているか分からなければ、ツールは役に立ちません。 棚が歪んでいるからホームセンターの工具を全部買うようなものです。テーブルソーは必要ありません。必要なのは水平器と、「まっすぐ」がどういう意味かを知ることです。
素晴らしいサウンドのビートを作るプロデューサーたちは、秘密のプラグインを使っているわけではありません。多くの人がDAW付属の無料プラグインを使っています。違いは、ミックスが何を必要としているかを聴き取れることです。だからどのツールを使うべきか、そのツールで何をすべきかを正確に判断できるのです。
ミックスが何を必要としているかを聴き取る能力。それがあなたに足りないスキルです。
パーセプションギャップ
こう考えてみてください。プロのビートを聴いてから自分のビートを聴くと、違いを感じますよね。相手のほうが何か良く聴こえる。でも、具体的に何が違うか指摘できますか？
相手のキックは80Hz以下の低域にパンチがあるのに対し、あなたのキックは200Hz付近でぼやけている、と聴き取れますか？相手のメロディは3〜5kHzの帯域にプレゼンスがありミックスを突き抜けているのに対し、あなたのメロディはパッドの下に埋もれている、と聴き取れますか？相手のリバーブテールはミックスの下に隠れているのに、あなたのリバーブはすべてを覆ってしまっている、と聴き取れますか？
これらの表現が外国語のように感じられたなら、それがギャップです。知識のギャップではありません。知覚のギャップです。
ワインのテイスティングに例えると分かりやすいかもしれません。二人の人が同じワインを飲みます。一人は「おいしいワインだね」と言います。もう一人は「ブラックチェリーとシダーのノートがあって、タンニンの余韻が長い」と言います。同じワインを飲んでいるのに、一人は特定の特徴を識別するためにパレットをトレーニングしていて、もう一人はしていないのです。
ミキシングもまったく同じです。二人のプロデューサーが同じビートを聴きます。一人は「平坦に聴こえる」と感じます。もう一人は「200〜400Hz帯域に周波数の蓄積があってミッドレンジのディテールをマスキングしている、リードのリバーブが多すぎる、ステレオイメージが200Hz以下でモノになっている」と聴き取ります。同じビートです。知覚のレベルがまったく違うだけです。
そしてここが重要なポイントです。後者のプロデューサーは問題を聴き取れるから直せるのです。 前者はプラグインをランダムに試し続けて、何かがうまくいくことを祈るだけです。
才能の問題ではない
これを読んで「自分にはこれに向いた耳がないんだろうな」と思っている人がいるかもしれません。ソファに座りながら「走る足がないんだ」と言っているようなものです。あなたの耳はまったく問題ありません。ただトレーニングされていないだけです。
すべてのプロのミキシングエンジニアは、今のあなたと同じところからスタートしました。500Hzと5kHzの違いを聴き取れませんでした。コンプレッションが良い効果を出しているのか悪影響を及ぼしているのか判断できませんでした。リバーブの問題やステレオの問題を検出できませんでした。彼らは学んだのです。そして、他の人がミックスするのを見て学んだのではなく、特定のことを聴き取るために積極的に耳をトレーニングして学んだのです。
それがまさにイヤートレーニングです。オーディオスクール卒業生のための高度なテクニックではありません。他のすべてを可能にする基礎スキルです。そしてなぜか、プロダクションの世界ではこれを最初のステップではなく、後回しにすべきものとして扱っています。
イヤートレーニングは実際にどんなものか
プロデューサーのためのイヤートレーニングは、「音を聴いて何の音か当てる」というものではありません。それはミュージカルイヤートレーニングで、演奏家には良いですがミキシングには役立ちません。
プロデューサーのためのイヤートレーニングとは、こういうものです。
周波数の識別。 ある周波数がブーストされたサウンドを聴きます。そのブーストはローエンドにあるのか、ミッドなのか、ハイなのか？もっと絞り込めますか？300Hz付近なのか3kHz付近なのか？このスキルがあれば、ランダムにスイープして問題を探す代わりに、効果的なEQ処理ができるようになります。
コンプレッションの検出。 コンプレッションありとなしのサウンドを聴きます。違いが分かりますか？かかりすぎているときに気づけますか？微妙なコンプレッションと強いコンプレッションを聴き分けられますか？これにより、チュートリアルで言われたからとりあえず全部にかける代わりに、意図を持ってコンプレッサーを使えるようになります。
空間認識。 ドライとウェットの信号を聴き分けられますか？リバーブが奥行きを加えているのか、濁りを生んでいるのかを聴き取れますか？ステレオの広がりを感じられますか？これにより、平坦な音の壁ではなく、ビートに三次元的な空間を作り出せるようになります。
バランスの検出。 ある要素がミックスの他の部分に対して大きすぎるときに聴き取れますか？どの要素が別の要素をマスキングしているか識別できますか？これにより、すべてが自分の居場所を持つクリーンでクリアなミックスが作れるようになります。
これらのスキルは技術的に聞こえるかもしれませんが、トレーニングすること自体は驚くほどシンプルです。パターン認識です。適切なエクササイズとフィードバックがあれば、あなたの脳はパターン認識が驚異的に得意なのです。
このスキルを実際に構築する方法
MixSenseは、まさにこの問題のために作られました。良い音楽を作れるのに、ポリッシュされたサウンドにできないプロデューサーのためのアプリです。
仕組みはこうです。毎日の短いエクササイズで、サウンドを聴いて何が起きているかを識別します。この周波数はブーストされているのかカットされているのか？スペクトラムのどこにあるのか？コンプレッションはかかっているのか？どのくらい？アプリが即座にフィードバックを提供し、あなたが聴いたものと実際に起きていたことの違いを説明してくれます。
時間が経つにつれて、脳が自然とキャリブレーションされていきます。以前は見えなかった違いが明白になります。新しい耳で自分のビートを聴き始めるようになります。「平坦」という問題がミステリーではなくなり、識別して修正できる具体的な問題のセットに変わります。
うまくいく理由は、一気にやることではなく、継続的にやることです。1日5分のほうが、週1回1時間より価値があります。脳がパターン認識スキルを構築するには、一定間隔での反復的な練習が必要です。Duolingoが語学学習に効くのと同じ原理です。毎日の短いセッションは、散発的な長時間の勉強に常に勝ちます。
そしてゼロからスタートできます。始める前に「400Hzがどんな音か」を知っている必要はありません。アプリが教えてくれます。そのために存在しているのですから。
聴こえるようになると何が変わるか
ここからが、すべてを価値あるものにする部分です。耳が発達し始めるとどうなるか。
取り組んでいたビートを開きます。「平坦に聴こえる」という漠然とした感覚ではなく、具体的なことが聴こえます。「ベースが200Hz付近でブーミーだ。」「メロディとパッドがミッドレンジで競合している。」「すべてがセンターに集まっていて、広がりがない。」「ドラムにトランジェントのスナップがない。」
何を直すべきか正確に分かります。推測する必要はありません。ランダムにプラグインを試す必要もありません。EQを開いてブーミーさをカットする。パッドの周波数帯域を調整してメロディにスペースを作る。いくつかの要素をパンニングして広がりを作る。ドラムのコンプレッションを調整してトランジェントを通す。
ビートが平坦から生き生きとしたものに変わります。新しいものを足したからではありません。問題を取り除いて、音楽が呼吸できるようにしたからです。
それがプロのプロデューサーたちがやっていることです。魔法ではありません。秘密のプラグインでもありません。トレーニングされた耳が、情報に基づいた判断を下しているのです。そしてこれは構築できるスキルです。
アクションプラン
あなたのビートにアイデアは正しいけどサウンドが正しくないなら、やるべきことはこれです。
- 聴く力の問題であって、クリエイティビティの問題ではないと認識する。 あなたの音楽的アイデアは良いのです。ミックスをよりクリアに聴き取って、想像通りのサウンドにする力が必要なだけです。
- イヤートレーニングを始める。 MixSenseは無料で、1日数分で取り組めます。ゼロからスタートするので、周波数やコンプレッションについて考えたことがなくても問題ありません。
- リファレンストラックを使う。 ビートに取り組むときは、同じジャンルのプロの曲を再生して比較してみてください。具体的な違いを探します。相手のベースのほうがタイトですか？ドラムがもっと強いですか？広がりがありますか？イヤートレーニングによって、こうした違いがよりクリアに聴き取れるようになります。
- 足すのではなく、引くことに集中する。 ビートが平坦に聴こえるとき、本能的にもっと足したくなります。レイヤーを増やし、プラグインを追加し、エフェクトをかける。でも答えは通常その逆です。問題の原因を取り除く。濁りをカットする。リバーブを減らす。アレンジをシンプルにする。各要素にスペースを与える。
- 焦らない。 一晩でプロの耳は育ちません。でも、2週間の継続的な練習で違いが聴こえ始め、その後は毎週どんどん聴こえるようになります。上達のカーブは実在していて、ほとんどの人が思っているより速いです。
あなたのビートは良いのです。そのサウンドに見合った音質を手に入れる価値があります。足りないピースはプラグインでもテクニックでもありません。ミックスが何を必要としているかを聴き取る能力です。そしてそれは、音楽プロダクションで最もトレーニング可能なスキルです。
ここから始めましょう。他のすべてはその後についてきます。